El Arte Griego

¿En que medio geográfico se desarrolló la cultura griega?

El territorio griego ocupa una posición estratégica en el antiguo continente. Es un punto de enlace entre Europa, Asia y África.

Grecia ocupaba dos zonas distintas geográficamente: una compuesta de dos partes continentales: El sur de la península de los balcanes y la costa Egea de Asia menor; y la parte insular conformada por las Islas Jónicas, Cicladas y la Isla de Creta.

¿Era Grecia un país grande?

La Grecia antigua no estaba conformada como un estado único tal cual lo conocemos hoy en día, lo conformaban ciudades estados en los que cada uno contaba con sus propias leyes, ejercito y solían guerrear entre ellas. 

Las ciudades estado más importantes fueron Atenas y Esparta

¿Fue importante para los griegos la idea de belleza en sus representaciones artísticas?

Es una de las grandes novedades que aporta a la evolución el Arte y la Cultura griega.

Gran parte de la vida del griego en el periodo clásico estaba presidido por un pensamiento estético. Su idea de belleza iba estrechamente ligada a la medida, la proporción y el número. "Nada con exceso"; "La medida ante todo".

¿Cuál fue la evolución artística de los griegos?

Al rededor del año 2.000 A.C. comenzaron a aparecer influencias egipcias y mesopotamicas en las islas que rodean la península Helénica y en Asia menor. La mezcla y asimilación de los modelos mesopotamicos y egipcios por los habitantes de las islas del mar egeo marcaron el carácter del periodo pre-Helénico que termina en el siglo VIII A.C.

¿Cuales son los periodos del arte griego propiamente dicho?

El arte griego comienza a perfilarse en el siglo VIII A.C. y se divide en 3 periodos:

1. Periodo Arcáico: Comprende desde la celebración desde la primera Olimpiada (Año 776 A.C.) hasta las llamadas Guerras Médicas o invasión Persa (480 A.C.). Es la niñez del arte griego, que tiene más contenido que forma y en sus formas predomina la rigidez y el hieratismo. Es el periodo de elaboración de la gran arquitectura griega.

2. Periodo Clásico: Periodo de madurez serena, abarca todo el siglo V y parte del IV A.C., se dominan los obstáculos del oficio, se posee plenamente la técnica y se llega al máximo equilibrio entre todos los elementos que componen la obra de arte. Se logra plasmar todo el concepto de belleza con la serenidad y perfección que le son propias según los griegos.

La medida, la norma, la ordenación son bases del momento clásico. El tema central de este periodo es el hombre (Antropomorfismo)

3. Periodo Helenístico: Se cuenta en Grecia a partir de la muerte de Alejandro Magno en el año 323 hasta la toma de Corinto por los romanos en el año 146 A.C.

Lo Helenístico es lo "Casi griego", significando un retorno hacia el oriente, teniendo en cuenta la expansión del imperio hasta la india. Hay un gran deseo de expresar realismo mas que idealismo por tanto se produce un desequilibrio.

Durante este periodo final el arte griego se extiende por Europa, Egipto y Asia menor.

Escultura y Pintura Egipcia

El artista egipcio casi siempre al servicio de ideas espirituales, ha dejado obras de una gran dignidad donde todos los personajes se representan en forma majestuosa como si no tuvieran que ver con lo cotidiano.

La gran lucha del arte egipcio consistió en encontrar un Cánon (Normas), un modelo de representación que fuera valido en cualquier instante y para cualquier lugar. El artista solo deberá conocer a la perfección dicho modelo y adaptarlo a las exigencias iconográficas de una representación en específico.

Las artes representativas están ligadas a la noción de superficie plana. Lo que significa que el trabajo del escultor parte siempre del plano.

En la escultura egipcia el bulto redondo, la forma matriz era un bloque de piedra en forma de prisma, mas nunca uno de piedra en bruto. En cada una de las caras laterales del prisma pétreo se traza una cuadricula que ordena las proporciones de las distintas partes del cuerpo; luego en la cara frontal del prisma se dibuja la figura de frente y en los lados se dibuja la figura de perfil.

El desvastamiento de la piedra con el cincel se llevaba a cabo perpendicularmente a las superficies para conformar la figura definitiva. El resultado NO era dependiente de la voluntad del artista, su gusto o inspiración; por el contrario se basaba en las reglas preestablecidas.

Se destacan ciertas notas importantes comunes como: 1. La rigidez 2. La majestuosidad 3. La huida de la naturalidad y la laxitud. 

En la escultura de bulto redondo su rigidez y hieratismo se relacionan con lo que el investigador (Le Chatelier) llamó ley de la frontalidad; la cual significa que las figuras siempre están representadas de frente sin torsión alguna. A esta ley obedece casi la totalidad de la estatuaria egipcia. El movimiento se reduce a un ligero avance de una pierna o brazo, sin denotar esfuerzo o atención alguna del personaje representado.

En cuanto al relieve y la pintura egipcia, se pueden encontrar algunas características comunes. El relieve es siempre bajo o cóncavo y, en cualquier caso, tan suave y plano que se asemeja a un dibujo. Con frecuencia es policromado.

En el relieve se representa la ley de la torsión, según la cual unas partes de la figura humana están de frente (Torso y Ojo), en tanto que otras se dibujan de perfil (Cabeza, Brazo y Piernas). Otros rasgos convencionales son: Las manos son siempre planas con sus 5 dedos notablemente largos y en ellas los dos dedos pulgares ocupan la misma posición (Arriba o Abajo) de tal manera que la figura parece tener dos manos izquierdas o dos manos derechas. Avanzan suavemente los brazos y las piernas, no implica que un pie se levante del suelo, por el contrario, ambos en completo perfil.

En la pintura se representan asuntos religiosos, históricos o de genero. Los colores son planos sin matices ni sombras y se rellenan de manera muy brillante y simple.

La pintura y el relieve se mezclaban casi siempre con escritura jeroglífica, cuyo texto es complemento indispensable a la figura.

En cuanto a la composición y las ideas de perspectiva obedecen a ciertas convenciones características destacándose la Isofalia y la Procesionalidad. La Isofalia consiste en que todas las cabezas de las figuras de igual jerarquía se representan a la misma altura. La Procesionalidad en que los personajes aparecen en series repetidas unas tras otras como en desfile, avanzando siempre la misma pierna y el mismo brazo.

No conocieron la perspectiva naturalista, pero si se empleo una perspectiva propia en la que encontramos dos vertientes: 

Una de carácter ideal que llamaremos "Jerárquica" y la segunda de carácter físico que da origen a la perspectiva de "Franjas" de abajo hacia arriba situadas todas las figuras en un solo plano, dibujando en la franja más baja aquellas que se suponen más cerca, en la inmediatamente superior las que se imaginan en un segundo plano y así sucesivamente.

Ambas perspectivas son simultaneas, es decir, se pueden observar en la misma composición lo que representa problemas obvios siempre resueltos mediante las composiciones que todo arte impone para sí mismo.

Como conclusión decimos que la pintura, los relieves y la escultura exenta, tiene por finalidad honrar a las divinidades y al faraón, mostrar gráficamente la persistencia e inviolabilidad de los valores de ordenación social.

Los Templos Egipcios

El templo egipcio era la residencia de los inmortales y en calidad de tal debería ser indestructible. Son sin duda alguna el gran patrimonio arquitectónico del imperio nuevo.

A partir del siglo XVIII A.C. se afirma que se crea un tipo clásico de templo relacionado con el progresivo poder adquirido por el clero en el gobierno del imperio y con el consecuente enriquecimiento de los templos.

Los templos que se construyeron eran diferentes pero; fue en el periodo Tebano (Con su capital Tebas) donde los templos clásicos egipcios alcanzaron sus formas más grandiosas y definitivas, está ideado de tal manera que el fiel que entre en él aclimate su espíritu gradualmente, recogiéndolo cada vez más y concentrándolo en la idea de vida eterna.

Generalmente los templos estaban construidos lejos de la ciudad. Al llegar lo primero que se puede observar es una gran avenida de animales sagrados, como la esfinge o el carnero, que reposan sobre sus bases rectangulares. Al final de esta avenida se levanta la fachada del templo llamada Pílono: dos gruesos y macizos muros en forma trapezoidal, separados por una única puerta central. Delante del templo se levantan con frecuencia grandes obeliscos o agujas de piedra que simbolizan rayos del dios sol. Atravesada la puerta principal se ingresa a un patio descubierto llamado peristilo y rodeado de galerías con columnas. Otra puerta da acceso a la sala hipóstila que es cubierta y sostenida por columnas.

Posteriormente a través de pasillos se llega al santuario que es la estancia final del dios, la cual es oscura pequeña y misteriosa. El santuario del templo estaba cerrado para todos, excepto para los sacerdotes y el faraón. Los principales sacerdotes atendían diariamente las necesidades del dios particular, cuidando la imagen de culto y haciendo ofrendas.

Durante los festivales la imagen del dios era transportada por el río sagrado en una barca dorada.

Los principales templos se encuentran en Tebas en el conjunto de Karnak cuya construcción se inició en el siglo XX A.C.

El complejo más grande de templos en Egipto recibió la contribución de más de 30 Faraones. Karnak incluye los templos de Montu; Ptah; Mut, la esposa de Amon y Konsu, su hijo.

El gran templo de Amon en su diseño se ajustaba al patrón usual. Su entrada monumental conducía a un patio abierto, una segunda entrada daba al gran vestíbulo hipóstilo. Había entradas y salones que conducían al santuario donde había una imagen del Faraón.

Egipto y el sentido de su arte

Históricamente el arte más remoto es el Egipcio, si bien es simultaneo al mesopotámico.

Muchos investigadores creen que fue junto al Nilo donde el hombre paleolítico se estableció por primera vez como agricultor, iniciando así su vida sedentaria. 

El río Nilo es en realidad la razón de existir de este pueblo. Gracias a las periódicas inundaciones que depositan el limo (Es una capa vegetal altamente fértil) en todos los campos. 

Se produce la vida en su cauce y así el Nilo, es fuente de alimentación y vía de comunicación simultáneamente. El historiador antiguo Herodoto decía "Egipto es un don del Nilo" y con razón, el pueblo que de el vivía lo adoró como un dios (Osiris) y se inspiró en el para sus realizaciones artísticas.

Allí se desarrolló un arte severo y grandioso hecho bajo una voluntad de sustraer las cosas a la vida para hacerlas perdurables e impenetrables "Todo esta hecho para la muerte y la persistencia en el más allá es la que explica sus formas tan inalterables como el reposo de los sepulcros".

Por lo tanto su arquitectura funeraria (Sepulcral) es relevante, pues prepararse para la vida después de la muerte es una preocupación esencial para todo egipcio. 

En los sarcófagos, estelas (Franjas de relieves o pinturas) o muros de las capillas (cuartos o cámaras de las pirámides) figuran escenas de ritos, como entierros o escenas de la vida diaria.

Gracias a sus creencias funerarias sus tumbas presentan un desarrollo paulatino hasta conseguir la impresionante y severa monumentalidad de las pirámides, consideradas como una de las más grandes maravillas del mundo antiguo. 

La mayor y más famosa fue construida hace casi 5.000 años por el faraón KEOPS. 

El historiador Herodoto cuenta que en su construcción trabajaron 100.000 hombres durante 20 años; su altura alcanza 146 metros dependiendo de la cantidad de arena acumulada en la base. Su masa representa más de 2.5 millones de metros cúbicos construida a base de piedra caliza y recubierta algún tiempo por gruesas planchas de piedra magníficamente aparejadas; la entrada está situada en la fachada Norte y tiene una altura de 15 metros.

Su interior está organizado en espacios que constituyen 3 cámaras a las que se llega por complicadas rampas, una subterránea cubierta con grandes dinteles; la segunda, la cámara de la reina, ya en la parte baja de la pirámide y la tercera que encierra la momia del faraón. Sobre esta última hay varias cámaras que descargan el enorme peso de millares de toneladas de piedra que descansan sobre los dinteles. 

Esta piramide de KEOPS supone el afianzamiento pleno de una arquitectura basada en el poder absoluto del plano y de la forma abstracta.

Primeros pasos del Arte

"El arte pre-histórico"

El arte es el primer medio que el hombre utilizó para enfrentarse al mundo e intentar dominarlo. Los primeros registros de la actividad artística occidental se presentan unos 25.000 años antes de cristo; pues en extensas zonas del globo la prehistoria ha durado hasta nuestros días.

Es posible que el impulso que movió a los hombres a pintar hace 300 siglos o mas pueda encontrarse en el estimulo que en sus sentidos produjo el contacto de culturas cuando los "hombres modernos" se enfrentaron a los hombres del Neandertal físicamente diferentes.

La pintura se divide en dos grandes estilos: el figurativo, que hace referencia a la representación concreta de una imagen y; el abstracto, definido como la representación de ideas o conceptos sin aspecto físico partiendo de un objeto del cual obtiene dichas abstracciones.

El arte pictórico del paleolítico utiliza el primer estilo (Figurativo) y fue utilizada con una finalidad religiosa, encaminada a obtener éxitos que para el hombre primitivo significaban tener suerte en la caza, osea abundantes presas.

El origen de este arte pictórico se encuentra en los esfuerzos por asegurar el sustento de nuestros antepasados primitivos, por eso en la edad de piedra en Europa las figuras de animales pintadas llevan con frecuencia flechas clavadas.

A los dibujos mágicos le siguen los esquemas mágicos. Lo que significa que en la pintura naturalista de este periodo se representa también el arte esquemático. Algunos ejemplos de estas pinturas los encontramos en las cuevas de Altamira (Santander, España), y las francesas de Lascaux.

Las primeras esculturas son principalmente figuras femeninas como símbolo de fecundidad y fertilidad que acentúan los rasgos femeninos. Un ejemplo es la Venus de Willendorf. Son importantes también los relieves de las cavernas, los grabados y astas de reno representando animales o partes de ellos. 

Tanto la pintura como la escultura en relieve presenta un carácter narrativo de las escenas expresivas y esquematizadas de las que se puede deducir una organización social perfectamente establecida. Son ejemplo escenas femeninas de danzas, escenas de caza, lucha, guerreros, entre otros.

Finalmente aparece la arquitectura, como una manifestación independiente presentando los principales elementos de construcción y se inicia con edificaciones realizadas con grandes bloques de piedra o megalíticas como el Menhir  y el Dolmen.

Dolmen	Menhir

Posteriormente la madera es el material de construcción y tipo de morada que ha pasado hasta nuestros días y que se observa en cabañas y palafitos.

Definiciones y conceptos básicos

En esta iniciación de arte queremos explicar en forma sencilla y básica los términos fundamentales para interpretar una obra de arte. 

Arte: Es una manifestación del espíritu hecha por el hombre. Mediante la técnica, la idea que surge en la mente humana se convierte en realidad sensible.

La obra de arte responde en cada momento a unos principios estéticos insertándose en un contexto cultural. 

Toda obra de arte existe en función de un contenido y de una finalidad expresiva.

¿Qué tipos de artes existen?

Las cinco bellas artes tradicionales:

Arquitectura: Es el arte de la construcción de edificaciones, aspira tanto a resolver problemas técnicos como a satisfacer el sentido de belleza imperante en cada momento histórico. Proporciona un ambiente adecuado para que el hombre pueda desarrollar sus actividades. 

Existen cuatro estilos arquitectónicos: Civil, enfocado en construcción de casas y palacios; religioso, relacionada con construcción de templos, capillas; Militar de murallas y fortalezas; y Funeraria respectiva a Tumbas y Mausoleos.

Escultura: Es el arte de crear formas de 3 dimensiones  esculpiendo (Golpear con mazo y cincel en piedra o mármol), moldeando (arcilla o yeso) o tallando (Madera).

Las piezas pueden ser exentas, es decir, que pueden ser vistas por todos los lados, o bien superficies en las que las formas están dotadas de cierto espesor, en este caso se denomina relieve que puede ser alto o bajo.

Pintura: Es el arte de aplicar color a una superficie (Muro, tabla o lienzo) para crear imágenes. La pintura presenta 3 técnicas tradicionales

Fresco: Procedimiento de pintar directamente en un muro o techo revestido de cal o yeso cuando este se conserva todavía húmedo.

Temple: Procedimiento que consiste en fabricar la pintura con pigmentos desleídos en una solución de goma, agua o materia grasa; mezclada con algún elemento como la yema de huevo, leche o la caseína que sirve de adherente. Se suele emplear sobre madera previamente preparada o sobre el muro.

Oleo: Procedimiento en el que los colores se hallan aglutinados por un aceite que se solidifica pasado cierto tiempo, fijando el color en el fondo y quedando una capa transparente por encima.

Se desarrollan otras técnicas como, la Acuarela, el Pastel y la Tempera, etc.

Música: Arte de combinar sonidos de distinta altura, duración y timbre de forma organizada, lógica y agradable para el oído.

Poesía: Es el arte de utilizar la palabra, bien sea en verso o prosa como una manifestación del sentimiento estético.

Existen además otras artes fundamentales como: El Cine y las Artes Escénicas.

La capilla sixtina un monumento al arte del renacimiento

La capilla sixtina un monumento al arte del Renacimiento

¿Sabías que el renacimiento es una época de grandes artistas? tanto arquitectos, como escultores y pintores realizaron obras que hasta hoy en día siguen siendo hermosas y Famosas. Una de las más importantes es la decoración de la capilla sixtina realizada por Miguel Angel Bonunarroti, el artista más completo de esta época en cuya persona y obra se representan la grandeza y la tragedia.

Entre 1.508 a 1.512 asumió, en parte contra su voluntad, la obligación de decorar al fresco la bóveda de dicha capilla por mandato del papa Julio II. Así es como recubrió cerca 1.000 metros cuadrados,


representando cerca de 300 figuras y cuyo tema principal es la creación del mundo hasta la caída del primer hombre.

Reprodujo el ciclo del génesis con nueve escenas que comienzan con la división entre la luz y la oscuridad y finalizan con la embriaguez de Noe y que describen la soledad de un Dios de apariencia atlética; soledad que remedia con la creación de un hombre a su imagen y semejanza y de una mujer que simboliza toda la humanidad. Miguel Angel representa el Pecado Original, el diluvio universal, las civilas, los ignudi,  que son verdaderas estatuas vivientes 12 profetas.

En 1534 el papa Pablo III lo nombro primer arquitecto, escultor y pintor del Vaticano y en consecuencia se trasladó permanentemente Roma. Allí se le encargó la representación del Juicio final. En donde se descubre todo un cosmos desde cielo sobre él  los bienaventurados y debajo a los condenados en el infierno. En el centro se observa a cristo desnudo resucitado, majestuoso y que derrocha juventud y fuerza divina.