El Arte Griego

¿En que medio geográfico se desarrolló la cultura griega?

El territorio griego ocupa una posición estratégica en el antiguo continente. Es un punto de enlace entre Europa, Asia y África.

Grecia ocupaba dos zonas distintas geográficamente: una compuesta de dos partes continentales: El sur de la península de los balcanes y la costa Egea de Asia menor; y la parte insular conformada por las Islas Jónicas, Cicladas y la Isla de Creta.

¿Era Grecia un país grande?

La Grecia antigua no estaba conformada como un estado único tal cual lo conocemos hoy en día, lo conformaban ciudades estados en los que cada uno contaba con sus propias leyes, ejercito y solían guerrear entre ellas. 

Las ciudades estado más importantes fueron Atenas y Esparta

¿Fue importante para los griegos la idea de belleza en sus representaciones artísticas?

Es una de las grandes novedades que aporta a la evolución el Arte y la Cultura griega.

Gran parte de la vida del griego en el periodo clásico estaba presidido por un pensamiento estético. Su idea de belleza iba estrechamente ligada a la medida, la proporción y el número. "Nada con exceso"; "La medida ante todo".

¿Cuál fue la evolución artística de los griegos?

Al rededor del año 2.000 A.C. comenzaron a aparecer influencias egipcias y mesopotamicas en las islas que rodean la península Helénica y en Asia menor. La mezcla y asimilación de los modelos mesopotamicos y egipcios por los habitantes de las islas del mar egeo marcaron el carácter del periodo pre-Helénico que termina en el siglo VIII A.C.

¿Cuales son los periodos del arte griego propiamente dicho?

El arte griego comienza a perfilarse en el siglo VIII A.C. y se divide en 3 periodos:

1. Periodo Arcáico: Comprende desde la celebración desde la primera Olimpiada (Año 776 A.C.) hasta las llamadas Guerras Médicas o invasión Persa (480 A.C.). Es la niñez del arte griego, que tiene más contenido que forma y en sus formas predomina la rigidez y el hieratismo. Es el periodo de elaboración de la gran arquitectura griega.

2. Periodo Clásico: Periodo de madurez serena, abarca todo el siglo V y parte del IV A.C., se dominan los obstáculos del oficio, se posee plenamente la técnica y se llega al máximo equilibrio entre todos los elementos que componen la obra de arte. Se logra plasmar todo el concepto de belleza con la serenidad y perfección que le son propias según los griegos.

La medida, la norma, la ordenación son bases del momento clásico. El tema central de este periodo es el hombre (Antropomorfismo)

3. Periodo Helenístico: Se cuenta en Grecia a partir de la muerte de Alejandro Magno en el año 323 hasta la toma de Corinto por los romanos en el año 146 A.C.

Lo Helenístico es lo "Casi griego", significando un retorno hacia el oriente, teniendo en cuenta la expansión del imperio hasta la india. Hay un gran deseo de expresar realismo mas que idealismo por tanto se produce un desequilibrio.

Durante este periodo final el arte griego se extiende por Europa, Egipto y Asia menor.

Escultura y Pintura Egipcia

El artista egipcio casi siempre al servicio de ideas espirituales, ha dejado obras de una gran dignidad donde todos los personajes se representan en forma majestuosa como si no tuvieran que ver con lo cotidiano.

La gran lucha del arte egipcio consistió en encontrar un Cánon (Normas), un modelo de representación que fuera valido en cualquier instante y para cualquier lugar. El artista solo deberá conocer a la perfección dicho modelo y adaptarlo a las exigencias iconográficas de una representación en específico.

Las artes representativas están ligadas a la noción de superficie plana. Lo que significa que el trabajo del escultor parte siempre del plano.

En la escultura egipcia el bulto redondo, la forma matriz era un bloque de piedra en forma de prisma, mas nunca uno de piedra en bruto. En cada una de las caras laterales del prisma pétreo se traza una cuadricula que ordena las proporciones de las distintas partes del cuerpo; luego en la cara frontal del prisma se dibuja la figura de frente y en los lados se dibuja la figura de perfil.

El desvastamiento de la piedra con el cincel se llevaba a cabo perpendicularmente a las superficies para conformar la figura definitiva. El resultado NO era dependiente de la voluntad del artista, su gusto o inspiración; por el contrario se basaba en las reglas preestablecidas.

Se destacan ciertas notas importantes comunes como: 1. La rigidez 2. La majestuosidad 3. La huida de la naturalidad y la laxitud. 

En la escultura de bulto redondo su rigidez y hieratismo se relacionan con lo que el investigador (Le Chatelier) llamó ley de la frontalidad; la cual significa que las figuras siempre están representadas de frente sin torsión alguna. A esta ley obedece casi la totalidad de la estatuaria egipcia. El movimiento se reduce a un ligero avance de una pierna o brazo, sin denotar esfuerzo o atención alguna del personaje representado.

En cuanto al relieve y la pintura egipcia, se pueden encontrar algunas características comunes. El relieve es siempre bajo o cóncavo y, en cualquier caso, tan suave y plano que se asemeja a un dibujo. Con frecuencia es policromado.

En el relieve se representa la ley de la torsión, según la cual unas partes de la figura humana están de frente (Torso y Ojo), en tanto que otras se dibujan de perfil (Cabeza, Brazo y Piernas). Otros rasgos convencionales son: Las manos son siempre planas con sus 5 dedos notablemente largos y en ellas los dos dedos pulgares ocupan la misma posición (Arriba o Abajo) de tal manera que la figura parece tener dos manos izquierdas o dos manos derechas. Avanzan suavemente los brazos y las piernas, no implica que un pie se levante del suelo, por el contrario, ambos en completo perfil.

En la pintura se representan asuntos religiosos, históricos o de genero. Los colores son planos sin matices ni sombras y se rellenan de manera muy brillante y simple.

La pintura y el relieve se mezclaban casi siempre con escritura jeroglífica, cuyo texto es complemento indispensable a la figura.

En cuanto a la composición y las ideas de perspectiva obedecen a ciertas convenciones características destacándose la Isofalia y la Procesionalidad. La Isofalia consiste en que todas las cabezas de las figuras de igual jerarquía se representan a la misma altura. La Procesionalidad en que los personajes aparecen en series repetidas unas tras otras como en desfile, avanzando siempre la misma pierna y el mismo brazo.

No conocieron la perspectiva naturalista, pero si se empleo una perspectiva propia en la que encontramos dos vertientes: 

Una de carácter ideal que llamaremos "Jerárquica" y la segunda de carácter físico que da origen a la perspectiva de "Franjas" de abajo hacia arriba situadas todas las figuras en un solo plano, dibujando en la franja más baja aquellas que se suponen más cerca, en la inmediatamente superior las que se imaginan en un segundo plano y así sucesivamente.

Ambas perspectivas son simultaneas, es decir, se pueden observar en la misma composición lo que representa problemas obvios siempre resueltos mediante las composiciones que todo arte impone para sí mismo.

Como conclusión decimos que la pintura, los relieves y la escultura exenta, tiene por finalidad honrar a las divinidades y al faraón, mostrar gráficamente la persistencia e inviolabilidad de los valores de ordenación social.